The Weather Station – The Weather Station: Intimer Folk mit elektrischen Impulsen

Die Sängerin Tamara Lindemann aus Toronto hat 2015 mit ihrem Bandprojekt The Weather Station das bemerkenswert feine Folk-Album Loyalty veröffentlicht. Nun greift sie zunehmend auch zur elektrischen Gitarre und gibt ihren Songs damit den entscheidenden Kick.

Weather Station

6.10.2017 / Paradise of Bachelors

Die besondere Qualität der Stimme und allgemein der Gesangsperformance von Tamara Lindemann war schon auf den bisherigen Veröffentlichungen offensichtlich. Da ist nicht nur eine extreme Klarheit und Leichtigkeit in Aussprache, Intonation und Phrasierung, sondern auch eine enorme emotionale Intensität. Ihr gelingt es mühelos, die sehr persönlichen und gleichzeitig poetisch hochwertigen Texte überzeugend und ohne pathetisches Grundrauschen an den Empfänger zu liefern. Dank dieser Fähigkeit ist The Weather Station zunächst mal prädestiniert für die Welt der leisen und ganze leisen Töne, die dem Genre durch Joni Mitchells “Blue” für scheinbar für immer zugewiesen wurde.

Auf dem neuen, selbstbetitelten Album wird zunehmend die elektrische Gitarre eingestöpselt, was einen überraschenden Effekt hat. Denn erstens hebt die Musik dadurch hier und da endlich mal richtig ab und zweitens sind die ruhigen Momente fast noch intensiver als bisher. Auf dieser flexiblen Basis beginnen Tamara Lindemanns Exkurse in naheliegende Richtungen wie den britischen Folkrock oder krachenden Countryrock der 60er und 70er. Ein extrem abwechslungsreiches und gleichzeitig atmosphärisches Album, das nicht nur ein großer Schritt für The Weather Station darstellt, sondern auch einem etwas festgefahrenen Genre neue Impulse geben dürfte.

Courtney Barnett & Kurt Vile – Lotta Sea Lice: Musikgewordenes Slackertum

Courtney Barnett und Kurt Vile sind als Solokünstler inzwischen über jeden Zweifel erhaben. Nun haben sie ein gemeinsames Album aufgenommen, das zwar nicht ganz an die Qualität ihrer letzten Werke herankommt, aber dennoch eine bemerkenswerte Sammlung von Songs darstellt.

MI0004293889

13.10.2017 / Matador Records

Obwohl der Trend zu Duetten, Kollaborationen und Features auch vor der Indiewelt nicht Halt macht, ist ein gemeinsames Album von zwei Superstars ziemlich ungewöhnlich. Das hast allein schon mal organisatorische Gründe, denn alles vom Management über die Labels bis zu den Konzertagenturen muss in diesem Fall aufwändig synchronisiert werden. Das hat Kurt Vile nicht davon abgehalten, einen Song für Courtney Barnett zu schreiben und ihr damit die Einladung zur Zusammenarbeit die läppischen 10.000 Internetmeilen von Philadelphia nach Australien zu schicken. Glaubt man der offiziell kolportierten Backstory, so handelte es sich dabei um die erste Vorabsingle Over Everything. Und dass Courtney Barnett auf das Angebot einging, ist angesichts des entwaffnenden Charmes der Nummer immerhin glaubwürdig.

Auf Albumlänge macht sich nach diesem fulminanten Manifest des rockmusikgewordenen Slackertums erst mal so etwas wie Ernüchterung breit. Das klingt irgendwie alles gleich, so als hätte die Schnittmenge zwischen den beiden einfach nicht mehr hergegeben als Midtempo-Geschrammel mit den für beide typischen halb gesprochenen, nun eben auf zwei Stimmen aufgeteilte Anti-Melodien. Doch bei genauerem Hinhören entwickelt sich zumindest im Detail doch noch ein ergiebiger künstlerischer Dialog der beiden. In vielen Songs scheint sich ein spielerischer Streit um die musikalische Vorherrschaft niederzuschlagen, oft mit offenem Ausgang. Der Schleier der Langeweile verfliegt zunehmend, und wer mit den Soloalben der beiden etwas anfangen konnte, wird sich mit großer Wahrscheinlichkeit auch an dieser ungewöhnlichen Platte erfreuen können.

 

 

Bunny – Bunny

Drew Smith war in den Nullerjahren als Frontmann von den Bicycles mit sonnigem Chamber Pop erfolgreich. Jetzt ist er zurück mit seinem neuen Projekt Bunny und einem hörenswerten Album, das aus ganz ähnlichem Holz geschnitzt ist.

MI0004306594

VÖ: 6.10.2017 auf Tin Angel
Referenzen: Paul Simon, Paul McCartney, Beach Boys
Stichworte: Morgens / Sonne / Kakao / Alleine zuhause

Dass sich Drew Smith mit süßen Melodien und putzigen Arrangements auskennt, ist seit seinen erfolgreichen Jahren mit den Bicycles bekannt. Dass seine Texte häufig vollgestopft sind mit bitterböser Ironie, anzüglichen Wortspielen und klugen Beobachtungen, muss man erst mal unter der dicken Schicht Zuckerguss erkennen. Mit dem Bandnamen Bunny, dem infantilen Cover und dem grotesken Video zum ersten Song gibt er diesmal aber auch den Hörern einen Wink, die nicht zu sehr auf die Details in den Texten achten.

Vierzehn sehr kurze und mindestens genauso knackige Songs dieser Art sind auf dem ersten Album von Bunny zusammengekommen. Von der tanzbaren Gute-Laune-Nummer  mit quäkigen Synths bis zur melancholischen Ballade mit gezupfter Akustiknummer ist alles dabei, was das spielerische Grundrezept hergibt. Natürlich wird hier keineswegs das Rad neu erfunden, dafür gibt es aber eine Überfülle von smarten Lyrics, durchweg gut geschriebenen Songs und Arrangements, die einem immer wieder ein Lächeln ins Gesicht zaubern.

Childhood – Universal High (2017)

Das zweite Album von Childhood überzeugt mit einem fein abgeschmeckten Cocktail aus 70s Soul, psychedelischen Synthies und Yacht Rock. Die sonnendurchfluteten Grooves sorgen für gute Laune und eignen sich besonders für einen beschwingten Start in einen sonnigen Tag.

MI0004275967

VÖ: 21.7.2017 auf Marathon Artists
Klingt fast ein bisschen wie: Roy Ayers, Pablo Cruise, Nick HakimHomeshake
Stichworte: Morgens / Sonne / Kaffee / Zu zweit

Auf ihrem Debüt-Album hatten sich Childhood aus London noch ein wenig in der heiß umkämpften Retro-Welt zwischen Post-Punk, College Rock, Shoegaze und Dream-Pop verzettelt. Mit Universal High machen die Jungs einen großen Schritt nach vorne, denn in der dreijährigen Pause zwischen den Releases haben sie endlich einen eindeutig wiedererkennbaren, eigenen Stilmix gefunden. Der zeitliche Rahmen der Inspirationsquellen bleibt zwar ungefähr der gleiche, allerdings richtet sich der Blick nun eher auf die andere Seite des großen Teichs und auf die psychedelischen Experimente der Soulmusik in der zweiten Hälfte der Siebziger.

Im Vergleich zu stilistisch artverwandten Studio-Spezialisten spielt bei Childhood der Bandkontext und die damit verbundene Illusion einer Live-Performance aber eine wesentlich größere Rolle. Einige Songs erinnern fast ein bisschen an das kurzlebige Phänomen, das manche Musikjournalisten treffend als “Yacht Rock” bezeichnet haben, also luftigen bis seichten Gitarrenpop mit ungenierten Anleihen aus Rock und Funk. Dieser Vergleich ist ein bisschen irreführend, da der Begriff heute eher als Schimpfwort in Gebrauch ist, denn die meisten Platten aus diesem Bereich waren schon nach kürzester Zeit wieder vergessen. Angesichts der durchgehend hohen Qualität von Universal High ist davon auszugehen, dass Childhood dieses Schicksal erspart bleibt.

Bedouine – Bedouine (2017)

Obwohl das Debüt von Bedouine eher sanfte Töne anschlägt, hat es auf Anhieb ein deutlich hörbares Medien-Echo erzeugt. Kein Wunder, denn hinter der Entdeckung der jungen Sängerin mit armenischen Wurzeln steckt eine fast unglaubliche Geschichte.

Bedouine-Album-Cover-3000x3000-1024x1024

VÖ: 26.6.2017 auf Spacebomb
Referenzen: Joni Mitchell, Laura Marling, Carly Simon, Jackson Browne
Stichworte: Nachts / Regen / Tee / Zu zweit

Ein bisschen Glück gehört oft auch bei einer Karriere in der Musikszene dazu. Azniv Korkejian aus LA wollte eigentlich nur ein altes Tonbandgerät kaufen, als sich plötzlich die Gelegenheit bot, als Sängerin durchzustarten. Der Verkäufer des Geräts war nämlich kein Geringerer als der Musikproduzent und Toningenieur Guy Seyffert, der schon mit Größen wie Norah Jones und Beck zusammengearbeitet hat. Von der Persönlichkeit der jungen Frau fasziniert, bat er sie um eine Kostprobe ihres Könnens. Das spontane Ständchen könnte in etwa so geklungen haben wie das spärlich instrumentierte Lied Solitary Daughter. Man kann sich gut vorstellen, wie der alte Fuchs schon beim ersten Hören die zurückgenommenen Streicher und den stoischen Akustik-Bass in seinem Kopf ergänzte.

Außer dem Künstlernamen und den Fresken auf dem Cover des Albums, das etwa ein Jahr später aus dieser kolportierten Zufallsbegegnung hervorging, verweist nichts auf die fast ebenso unglaubliche Lebensgeschichte von Bedouine. Als Kind armenischer Einwanderer wurde sie im syrischen Aleppo geboren, das heute leider nur noch als symbolträchtiger Kriegsschauplatz und nicht mehr aufgrund seiner spektakulären Altstadt in den Medien auftaucht. Ihre Jugend verbrauchte Sie in einer Gated Community in Saudi-Arabien, wo sie die aktuellen Entwicklungen der westlichen Popkultur nur bruchstückweise mitbekam. Ihr Hauptbezugspunkt sollen ein paar amerikanische Platten aus den Siebzigern gewesen sein, die ihre Eltern mitgenommen hatten.

Ob man allen Details aus dem Pressetext Glauben schenken mag oder nicht, sie liefern unterm Strich eine stimmige Erklärung für die außergewöhnliche Platte, die Bedouine zusammen mit dem renommierten Produzenten Mathew E. White aufgenommen hat. Die Musik klingt nicht nur vage wie eine Zeitreise ins L.A. der Siebziger, das Album könnte von A bis Z ein unveröffentlichtes Fundstück aus dem Archiv von Elektra/Asylum sein. Den Sound dieser Zeit eins zu eins nachzubauen, ist nicht nur eine archäologische Leistung, sondern auch eine musikalische. Denn nicht ohne Grund werden die frühen Siebziger als die goldenen Jahre des Folkrocks betrachtet, unglaublich viele extrem talentierte Musiker ernteten damals auch kommerziell die Früchte der kreativen Revolution in den späten Sechzigern. Das handwerkliche Niveau in den Studios dieser Zeit ist selbst auf mittelmäßigen Platten immer noch verblüffend und bis heute unerreicht.

Es spricht für Bedouine, dass sie nicht nur musikalisch in einer Liga mit den Größen der Vergangenheit spielt, sondern auch die typisch kalifornische Leichtigkeit von damals mühelos in die heutige Zeit rettet. Die Story hinter dem Album ist jedenfalls nicht nur zu schön um wahr zu sein, sondern auch überflüssig, denn Musik von dieser Qualität hat eine solche Mythologisierung überhaupt nicht nötig. Eines der überraschendsten Debüts des Jahres, eine Platte voller Hörgenuss und wahrscheinlich auch der Startschuss für eine große Karriere.

Art Feynman – Blast Off Through The Wicker (2017)

Als Sänger der Band Here We Go Magic und solo unter seinem bürgerlichen Namen hat Luke Temple schon mit zahlreichen, mehr oder weniger folkig angehauchten Platten Erfolg. Nun erfindet er sich noch mal neu und verzaubert uns mit kunstvoll gebastelten Songs, die zwischen verträumten und verspulten elektronischen Sounds pendeln.

MI0004254162

VÖ: 14.7.2017 auf Western Vinyl Records
Klingt fast ein bisschen wie: Arthur Russel, sir Was, Aero Flynn, The Frightnrs
Schlagworte: Nachts / Regen / Tee / Alleine

Dass Luke Temple ein begnadeter Songwriter, Gitarrist und Sänger ist, ist keine Neuigkeit. Überraschend ist eher, wie weit er sich unter seinem neuen Künstlernamen von seiner bisherigen musikalischen Comfort Zone entfernt. Als Art Feynman tauscht er seine Gitarrensammlung gegen eine Armada aus Synthesizern und Drum Machines, die klassischen Songstrukturen gegen ausufernde Loops und das Storytelling gegen assoziativ strömende Textfragmente. Dabei greift er unter anderem auf Modelle aus der elektronischen Musik und aus afrikanischen Kulturen zurück, was dem Ganzen einen zeitlosen, globalen und futuristischen Charakter gibt.

Das Video ist in höchstem Maße passend, denn die Musik zieht in einer gewissen emotionalen Distanz an uns vorbei wie das Nachtleben einer Metropole bei der Fahrt auf der Stadtautobahn. Und bis auf wenige Ausraster, bei denen die Experimente am Keyboard oder an der E-Gitarre ein wenig zu weit gehen, ist dabei aber eine extrem gut hörbare Platte entstanden. Der wilde Stilmix wird von einem sehr individuellen und persönlichen Charakter der Musik stimmig zusammengehalten. Man darf gespannt sein, ob und wie dieses Album überhaupt auf der Bühne umsetzbar ist, aber in aufgenommener Form stellt es durchaus eine einzigartige Produktion von besonderem künstlerischen Wert dar.

The War on Drugs – A Deeper Understanding (2017)

Drei Jahre nach dem epochalen “Lost in the dream” sind die Erwartungen für die langerwartete vierte Platte extrem hoch. Aber The War on Drugs lassen nichts anbrennen und liefern einen in jeder Hinsicht adäquaten Nachfolger ab, der auch überraschende Seiten hat.

A-Deeper-Understanding-cover-980x980

VÖ: 25.8.2017 auf Atlantic Records
Referenzen: Bruce Springsteen, Dire Straits, Tom Petty
Stichworte: Abends / Sonne / Bier / Freunde

Es gab durchaus Grund zur Sorge, dass The War on Drugs nach dem Erfolgsalbum Lost in the dream und dem unvermeidlichen Wechsel zu einem Major Label beim Sound und vor allem der Länge der Songs Kompromisse machen müssen. Die Erleichterung war deutlich zu spüren, als jeder der vorab online veröffentlichten Songs das herkömmliche Radioformat um ein vielfaches überschritt und keineswegs auf das für die Band typische, minutenlange atmosphärische Wabern von Gitarrenechos und Synthieflächen verzichtete. Keine böse Überraschung also, und man darf Mastermind Adam Granduciel durchaus dazu gratulieren, dass er sich auch noch für die nächste Platte vertraglich die alleinige künstlerische Entscheidungsgewalt hat zusichern lassen. Nach weit über zehn Jahren mäßig erfolgreicher, aber immer mit vollem Herzen ausgeübter Tätigkeit als Rockmusiker mit sinnlosen Nebenjobs in schäbigen Bars hat er es mehr als jeder andere verdient, für ein paar Jahre anständig allein dafür bezahlt zu werden, dass er zwei Jahre im Studio Musik macht und das Ergebnis zur Veröffentlichung freigibt.

Und so ist das einzige Zugeständnis an die Welt der Major Labels, dass fünf der zehn Songs schon vor dem eigentlichen Album-Release online gestreamt werden konnten. Mir persönlich hätten drei Songs gereicht, um die nötige Vorfreude zu entwickeln und mich auf ein zusammenhängendes Hörerlebnis am Erscheinungstag zu freuen. Aber das ist Jammern auf sehr hohem Niveau, denn Plattenverträge können bekanntlich weitaus desaströsere Auswirkungen haben. Mit dem ersten offiziellen Video Holding On stellten The War on Drugs jedenfalls klar, dass sie musikalisch noch die alten sind. Mal wieder ist der Titel Programm, die refrainartig wiederkehrende Zeile Keep keepin’ on illustriert, worum es Adam und seinen Freunden geht: Weitermachen, zurechtkommen, sich selbst treu bleiben. Und da deutet sich auch schon an, dass nach der stellenweise desolaten Melancholie des Vorgängers nun auch versöhnlichere Klänge möglich sind.

Der optimistischere Blick auf das eigene Schicksal ist natürlich auch den veränderten Lebensumständen der Musiker geschuldet, die nach Jahrzehnten der prekären Lebensweise mit Anfang vierzig endlich mal durchatmen können. So etwas lässt sich nicht wegwischen und darf auch hörbar werden, solange es nicht in behäbige Selbstzufriedenheit ausartet. Natürlich werden einige Fans enttäuscht sein, vor allem diejenigen, die in der Band zuletzt vor allem verlässliche Freunde und Leidensgenossen in dunklen, einsamen Stunden gesehen haben.

Das Nirgendwo zwischen der klaustrophobischen Enge der Melancholie und den unendlichen Weiten des Klangs, in dem man sich zuvor verlieren konnte, löst sich auf A Deeper Understanding jedenfalls zunehmend auf. Das neue Zuhause der Band ist ein Rückzugsraum, in dem man sich durchaus wohlfühlen kann, der aber weder die Mühen seiner Erbauung noch die Spuren einer dunklen Vergangenheit verleugnet. Dementsprechend wurde die Palette an Sounds und Stimmungen nur behutsam erweitert. Dort, wo ein Saxophon, ein Glockenspiel oder ein balladeskes Vorspiel auf dem elektrischen Klavier uns beim ersten Hören noch fremdeln lässt, da ist das neue Element bei der zweiten Begegnung schon voll integriert in unsere Vorstellung dessen, was den Sound dieser Band ausmacht. Und spätestens ab dem dritten mal will man diese kleinen Schritte nicht mehr missen, ist man froh, dass es weitergeht.

Natürlich ist es fast unmöglich, nach einem epochalen Album gleich wieder für ein ähnliches Aha-Erlebnis zu sorgen. Ebenso schwierig ist es, an ein stimmungsvolles Album unmittelbar anzuknüpfen, ohne ein überflüssiges Sequel zu produzieren. The War on Drugs sind weise genug, einen unaufgeregten Mittelweg zu gehen und sich nicht von den äußeren Erwartungen beeinflussen zu lassen. Sie haben sich hingesetzt und ein Album aufgenommen, das zumindest so klingt als sei nichts gewesen. Das Ergebnis ist ein lebensfroher kleiner Bruder zu ihrem düsteren Meisterwerk und isoliert betrachtet immer noch eine fantastische Veröffentlichung, die allenfalls hinsichtlich ihrer popkulturellen Wirksamkeit hinter Lost in the dream zurückbleibt. A Deeper Understanding ist ein Album, das sehr vielen Menschen den Soundtrack zum nächsten Abschnitt ihres Lebens liefert und den Ruf von The War on Drugs als bedeutendste Rockband unserer Zeit weiter zementiert.